這次台灣巡迴展自即日起至九月一日期間，一次要呈現橫跨四百年的西洋繪畫史縮影。英國國家藝廊透露：「這系列展覽，過去已在上海、首爾和香港登場，三、四年前在澳洲和日本巡迴時更吸引超過七十萬人觀看，每個展期的回響都非常驚人，在巡迴到台灣前，已有逾一百萬人看過這個展。」
保護畫作 力控環境溫溼度
要讓珍貴的多件藝術品妥善地在台灣展出，背後所費心力不小，如何確保作品在運送與展出時的安全性是雙方最優先考量。
統籌本次展覽的奇美博物館展示教育組組長周春桂分享：「對環境溫、溼度的控制是基本要求，還要防範震災，故展牆能承受的安全係數也是英國國家藝廊關心的一環，我們把結構承重牆加強，以符合對方的需求。」
後端在畫作的安全防護上也做出許多處理，作品問世四百年，時間對木頭的影響、消磨是種考驗，「木板畫較脆弱，在作品內部也做了微氣候環境的控制，確保溫、溼度穩定。」周春桂說。
此外，參觀人數一多、太過擁擠的環境，也會造成畫作無法「呼吸」；為能有效控管人流，這次售票特別規畫出分時段的預約系統，更在周五、六、日延長兩個半小時展出，晚間八點才閉館，讓觀展者都能在舒適的館內慢慢欣賞，感受西洋藝術大師的動人筆觸。
保羅．高更（1848～1903）的作品《窗前的果盆和啤酒杯》約於1890年創作。
探索隱藏版故事 解讀畫作裡的神祕色彩
藝術家常在畫作中留下意義深遠的細節或象徵伏筆，為之增添神祕色彩。抽出時間探索畫作背後的故事、象徵或隱喻，彷彿踏上一場名畫偵探之旅，一解謎題。
身為台灣重量級藝術史學者的王德育教授，曾為香港佳士得和中歐學院「藝術鑑賞課程」講課，此次應邀撰寫奇美特展圖錄專文和導覽，並為導覽志工授課。聆聽王德育的藝術史講座或導覽，也像是一場藝術史的探險之旅。
此次特展中，有三幅名畫各有不同隱藏版故事。
桀驁名媛 哥雅疊畫男肖像
第一幅是由西班牙畫家法蘭西斯科．德．哥雅（Francisco de Goya）在一八○五年之前所繪的《依莎貝爾．德．波爾塞爾》，畫中女子披戴黑色鏤空頭紗，頭上紮著黑色緞帶大花，稍側著身體，左手插腰，頭向右微微抬起，神情自信且桀驁不拘，姿態略帶挑戰意味。
王德育說：「哥雅是橫跨十八至十九世紀的西班牙知名畫家，此畫作描繪的是西班牙美洲國務卿的妻子，當時名媛貴婦流行中下階級女子裝扮，哥雅以恣意的筆觸描繪頭髮、衣裳和黑紗。有趣的是，他將這幅肖像畫直接畫在一幅男子肖像畫上，因此在女士下巴處，依稀可以看到底層男子的眉毛。」展覽現場也展示X光圖像，方便對照欣賞，讓觀眾對底下男子肖像的模樣格外好奇。
今年是印象派一五○周年，法國畫家愛德華．馬內（Édouard Manet）在一八七八至八○年間創作出《音樂咖啡廳一角》，其題材和風格很能代表印象派。王德育解釋，工業革命造就了中產階級，經濟優渥讓他們能在工作之餘從事休閒活動，成為十九世紀後半葉的新興景象，許多印象派畫家將中產階級歡愉的都會娛樂納入繪畫題材。
當時巴黎興起有樂隊演奏和女服務生的咖啡廳，蔚為風尚，文人騷客流連聚會，尤其是印象派畫家，成為了馬內的創作題材。「《音樂咖啡廳一角》原來的尺寸很大，馬內將原作裁成兩半。英國國家藝廊收藏的是原畫的右半部，後來在右邊縫接一段畫布，使女服務生置身在畫面中間，並且補畫了樂師、舞台及舞者。」王德育說。
在展場細看作品，彷彿回到畫作的現場「巴黎雷克索方酒館」（Brasserie de Reichshoffen），耳畔傳來啤酒玻璃杯碰撞的清脆叮噹聲響、笑聲與音樂。仔細端詳能注意到兩張畫布的接縫，畫家似乎也無意隱藏。原畫的左半部畫作《At the Cafe》，目前由瑞士奧斯卡．萊因哈特藝術館（Oskar Reinhart Collection）典藏。
大自然能撫慰身心，而文森．梵谷（Vincent van Gogh）的《長草地與蝴蝶》，又透露梵谷怎樣的心境呢？
勃發青草 藏梵谷無聲吶喊
梵谷於一八八九年五月至一八九○年五月，自願住進南法聖赫米的療養院，《長草地與蝴蝶》是他在一八九○年即將出院時的畫作。王德育說：「梵谷在五月四日左右曾寫信給弟弟，提到兩幅描繪剛割過草的草地畫作，其中一幅就是《長草地與蝴蝶》。畫中粗壯的草莖似乎反映意志的堅韌，而飛舞蝴蝶則表達心情的輕盈，雖然畫面看不到藍天，但上端都有小路，似乎象徵突破療養院藩籬的期盼。」
當眾人還沉浸在畫中濃烈情感的筆觸中，王德育接著說道：「然而，梵谷在出院後不久即自殺，如同希臘悲劇般，梵谷的悲惻成就了不朽的藝術表現。一般人總對梵谷的藝術表現充滿崇高想像與嚮往，彷彿藝術家可以不食人間煙火，實際上，梵谷生活貧困，一直依賴弟弟的資助，生前僅賣出一幅畫作《在阿爾的紅色葡萄園》，當時售價四百法郎（約今日一千美元）。」
聽著王德育的解說，讓人不勝唏噓，驚覺在充滿生命力的草地畫作背後，也隱藏著梵谷無聲的吶喊。
梵谷的《長草地與蝴蝶》好似說著藝術家對自由與堅韌大自然生命力的渴望。
哥雅的《依莎貝爾．德．波爾塞爾》體現當時名媛流行中下階級女子裝扮的時尚密碼。
馬內的《音樂咖啡廳一角》描繪工業革命後中產階級興起，音樂咖啡廳的流行文化。
傳承藝術火炬 歷史長河裡閃耀不滅
特展四大單元橫跨西洋繪畫史四百年，讓人發現西方美術史如同一條長河。每位藝術家都承襲前人的遺產，同時也在此基礎上進行創新和突破；他們宛如馬拉松選手，一棒接一棒，接力傳承藝術的火炬。
在彰顯創新或革命精神的畫家中，安托內羅．達．梅西那（Antonello da Messina）是其中一位，他是義大利早期文藝復興時期的畫家，曾赴國際港城那不勒斯學畫，得以看到法蘭德斯地區（包括現今比利時、盧森堡及法國東北部分地區）的油畫，學會使用油彩，進而成為將油畫推展至威尼斯的重要推手。
王德育說：「十四至十六世紀的義大利繪畫使用蛋黃調色粉來作畫，稱為『卵彩』；法蘭德斯地區則使用亞麻仁油來作畫，稱為『油畫』。相較古老的繪畫技法卵彩畫，油畫顏料不會很快乾掉且可層層堆疊，讓藝術家有時間表現更多細節或色彩、質感。」
在此次展覽中，年代最早的畫作正是梅西那繪於約一四七五年的《書房中的聖傑洛姆》。傑洛姆是四世紀時將《聖經》從希臘文翻譯成拉丁文的天主教聖人；畫作藉由拱門框景，引導觀者窺視聖人與神聖教堂空間。
該幅畫作尺寸雖小但非常精緻，建議攜帶望遠鏡，透過將細節放大，欣賞書櫃上器皿的質地及右方有隻緩緩走動的獅子陰影；至於窗台上的兩盆植物，黃楊木象徵神聖救贖的信仰，天竺葵則象徵耶穌的受難，在畫作最前方守護的鷓鴣和孔雀，分別象徵真理與永恆。
厚重油彩 林布蘭推向極致
走進展場，你也可以與《六十三歲自畫像》中的林布蘭（Rembrandt）凝視對望，他頭戴貝雷帽、身著深紅色皮領外套，光束落在額頭和鼻尖上，相較之下，背景、衣袍與交疊的雙手顯得模糊。微妙光影，讓人將視覺焦點落在畫家布滿歲月痕跡的臉龐，仔細看還可以看到右眼下垂的眼袋褶皺，以及額頭上凝固油漆刻畫的歲月斑點。
王育德解釋，文藝復興時期開始使用油彩來作畫，繪畫方式採用透明色層法，使用很多亞麻仁油，顏料則很稀薄，等一層乾了以後再畫另一層，層層堆疊，這種畫法完全看不到筆觸；至文藝復興後期才逐漸使用稍微厚重的油彩，筆觸也隨之明顯。林布蘭將厚重油彩畫法推展至極致，呈現揮灑筆觸和厚重油彩的質感，加上巴洛克時期所重視的戲劇化光影變化，成為其個人的繪畫特色。
「荷蘭黃金時代（十七世紀）出現特有的『神情頭像』（tronie）藝術形式，它是一種頭像習作，展現對人物表情和情感的探索，而非特定人物的肖像畫。林布蘭是荷蘭黃金時代繪畫的代表人物，一生繪製約四十幅自畫像，他之所以喜好繪製自畫像，除了留存紀錄，應該也是深受這種風氣的影響。」王德育說。
畫家本人正是「神情頭像」最經濟實惠的模特兒，藝術史學者將他於一六二八年創作的《歡笑的林布蘭》界定為「神情頭像」。
林布蘭五十歲時宣告破產，獨子提特斯在一六六八年突然病逝，他深受喪子之痛打擊，也於翌年去世。《六十三歲自畫像》是林布蘭繪於逝世那年的自畫像，深邃眼眸帶著幾許滄桑，自畫像與神情頭像似也記錄著林布蘭笑過、哭過的每一段人生片刻。
光影美學 莫內晚年跨時代
十九世紀後半葉，由於管裝顏料的生產及鐵路交通的發達，畫家得以在戶外寫生捕捉光線變化，顏色則運用光學彩虹色系，顛覆傳統繪畫方式和觀念。尤其克勞德．莫內（Claude Monet）以彩虹色系捕捉光影的畫風，最能表現印象派理論。
鳶尾花是莫內最喜歡的花朵之一，在他一九一四至一七年創作的《鳶尾花》中，能感受到鈷藍、鈷紫、翠綠、鎘黃和鎘橙等各種色彩帶來的悸動。
王德育說：「莫內生前最後一次展覽是於一九一二年舉行，當時巴黎藝壇出現立體主義和野獸派，此時莫內察覺大眾品味已經改變，印象主義已是明日黃花，餘生十四年不再展出作品，默默在吉維尼的莊園中繼續繪畫他的蓮池。」
莫內晚年的色彩更為主觀，愈加遠離客觀的色彩再現，形體不復精細，當時這類畫作被視為晚年的草率之作。王德育說著藝術風向的變化：「直到二戰後，美國抽象表現主義興起，掀起新的觀賞角度，重新審視沉寂了三十年的莫內晚期作品。莫內晚年畫作得到平反，藝評家和藝術史學者開始讚揚莫內其實是超越了時代。」莫內畫作裡超越時代力量的光影美學，在歷史長河中繼續閃耀著。
《六十三歲自畫像》展現林布蘭擅長的厚重油彩畫法與戲劇性光影。
《書房中的聖傑洛姆》梅西那呈現各種物件質地，塑造不斷延伸的空間感。
《鳶尾花》呈現莫內晚期筆觸和色彩交織的抽象關係。
看畫有門道 領略美好須先做功課
當你站在大師的經典名畫前，為畫中飽滿濃厚的筆觸與情感動容，是否有時也因為不能理解畫家想表達的意境，而感到困惑、遺憾？
奇美博物館展覽團隊、此次特展總籌蔡海廣與顏兌蓁認為，名畫欣賞除了是感性體驗外，透過鑑賞技巧能進一步認識畫作，也更能了解及領略它的美好和樂趣。
他們分享，在日本藝術史學者秋元雄史的著作《東京藝大美術館長教你西洋美術鑑賞術：無痛進入名畫世界的美學養成》中提到，欣賞一幅畫能有兩大步驟。
鑑賞兩招：表現、歷史背景
首先可以從作品的表現入手。蔡海廣說：「觀察繪畫技巧、線條與色彩運用及主題。從整體形象到細節，逐步觀察並描述，就能從中發現畫作的細微之處。」
其次，是從歷史背景去鑑賞，「例如考察藝術家所處時代背景和當時社會文化脈絡，以帶時間與空間軸線的視角，去理解畫作的意義與價值。」蔡海廣解釋。
蔡海廣進一步以拉斐爾（Raphael）的《聖母子與施洗者約翰（加瓦聖母）》為例，說明如何運用以上兩個步驟鑑賞畫作。
首先，觀察畫面表現，看似尋常的母子情景，三人頭頂天使光環顯示非凡的身分；畫作中，左邊手持康乃馨的小男孩與右下方身著毛皮衣的小男孩目光互動，三人位置與目光皆形成穩定的三角結構；紅黃藍三原色和諧柔美，並透過窗景讓人將視線延伸至窗外的建築與鄉村風光。
而從歷史背景來細究，這幅畫描繪的是宗教故事場景，小耶穌從施洗者約翰手中接過康乃馨，康乃馨傳統上象徵神聖的愛與受難。
蔡海廣解釋，在中世紀時，宗教畫被廣泛用於教堂或祭壇，以便不識字的民眾透過畫作了解聖經故事。到了文藝復興時期，人們重視人文主義精神，宗教畫即從純粹的神性轉向表現人性，如畫中聖母身著拉斐爾所處時期流行的服飾與頭巾，聖母表情神聖且平靜，但在慈愛眼神中流露若有所思或不捨之情，聖子則有著富彈性的嫩嬰肌膚，表現出人的形象與情感。
「這種轉變是文藝復興宗教畫的重要特徵。」蔡海廣說。
另外，文藝復興時期，物體遠近除了以近大遠小來呈現；藝術家也注意到，當物體愈遠時，輪廓愈模糊且色澤暗淡。拉斐爾即運用此空氣透視法，前景清楚、後景模糊淡化，更真實地呈現空間感。欣賞作品時，除了感受拉斐爾畫作中獨特的自然、柔美、和諧氣質表現，還能發現空間表現手法的時代演變。
聚焦興趣 先挑十件免撩亂
義大利畫家米開朗基羅．梅里西．達．卡拉瓦喬（Michelangelo Merisi da Caravaggio）的《被蜥蜴咬傷的男孩》，也是此次特展亮點作品之一。直觀畫作中，年輕人捲髮耳畔插一朵玫瑰，他可能要從桌上拿水果時，意外被藏在水果堆中的蜥蜴咬到；他的眉頭緊繃，手指因受傷而緊縮，眼角溼潤似乎要流淚。
顏兌蓁解釋，探究作家生平與所處時代，當時描繪日常生活場景的風俗畫，是非常流行的藝術形式。
「同一時期，卡拉瓦喬創作一系列類似作品，包括琴師、算命先生、紙牌作弊者等。卡拉瓦喬擅長利用光線和對比營造戲劇感，畫作中從左邊射入的陽光有如舞台燈光，為場景增添戲劇效果，而水果與玻璃花瓶玫瑰等靜物畫也與男孩被咬瞬間，呈現動靜之間的對比。」顏兌蓁補充。
身處當代，我們可用手機快拍捕捉當下一瞬，畫家所處的十六世紀中葉至十七世紀，他以繪畫手法捕捉類似快拍的瞬間場景，也是一大特色。
而如何避免在觀展時走馬看花，眼花撩亂而疲憊不堪？他們建議，觀展前可先在奇美博物館官網下載展品清冊，了解展覽內容。因作品數量較多，建議可聚焦主題，自五十二件作品中挑選最感興趣的十件作品，提前做功課。進入展場後，大致瀏覽所有作品後，即專注於欣賞自己感興趣的作品，以避免消耗過多精力與時間。
拉斐爾在《聖母子與施洗者約翰（加瓦聖母）》中，藉由手勢和目光暗示人物之間的心情。
卡拉瓦喬《被蜥蜴咬傷的男孩》，也有人解讀畫作隱喻美麗事物背後暗藏危險的寓意。
